Graffiti in prospettiva con Photoshop

Di articoli o video che spiegano come fare dei graffiti con Photoshop la rete è piena e c’è solo l’imbarazzo della scelta. Ho deciso però di fare anch’io un post su questo argomento, dove in realtà il graffito è solo un pretesto per parlare di uno strumento, non troppo conosciuto e utilizzato, che coi graffiti ci va a nozze: il fuoco prospettico.

Il fuoco prospettico è inserito nella lista dei filtri, ma non è proprio un filtro; semmai è uno strumento, e come tale sarebbe stato meglio metterlo tra i tool, magari col nome di “timbro prospettico”, ma tant’è…

Parlando di graffiti direi che la prima cosa da fare è procurarsi un muro. Non volendo imbrattare i muri di casa mia ho optato per una ricerca sul web e ho scelto questo, sperando di non infrangere nessun copyright 😦 , che ha proprio la caratteristica di una forte prospettiva che fa al caso nostro.

muro

A questo punto serve il graffito. Con Photoshop è abbastanza facile farselo e, come ho detto, il web è pieno di tutorial a cui ci si può ispirare.
La maniera più semplice è quella di trovare innanzitutto un font adeguato per poi colorare il testo con una sfumatura di colori e applicare un bordo al tutto (e magari aggiungere qualche dettaglio a piacere).

graffito

Ora abbiamo il nostro muro come sfondo e il livello testo in cui c’è il graffito.
Mantenere il livello testo offre il vantaggio di poter cambiare il font senza intaccare gli effetti grafici relativi (o viceversa), ma la tecnica che useremo necessita di un livello rasterizzato; il mio consiglio quindi è quello di duplicare questo livello e lavorare sulla copia (dopo aver “spento” naturalmente l’originale). Quindi rasterizziamo pure la copia in tranquillità (pulsante destro -> Rasterizza stile livello).

muro-graffito

Come si vede i due livelli non sono molto bene allineati e, per l’appunto, questo è il problema che affrontiamo.
Trasformare il graffito in maniera prospettica a mano non è impresa complicata, ma comincia a diventarlo se per esempio poi vogliamo spostarlo magari in un altro punto del muro o per qualunque modifica ci venga in mente successivamente.

Qui interviene il filtro fuoco prospettico. L’utilizzo di questo strumento non è difficile, il difficile sta nel capire da subito come diavolo funziona perché può essere molto frustrante in quanto poco intuitivo. Ecco il perché di questo post.

La cosa essenziale da sapere è che l’utilizzo del fuoco prospettico necessita di due fasi separate. Una prima fase di calibratura e la seconda di utilizzo vero e proprio.
Mentre la calibratura non modifica l’immagine, il successivo utilizzo del fuoco prospettico invece si applica a tutto ciò che è visibile, quindi è opportuno lavorare sempre su un livello trasparente mentre tutti gli altri sono disattivati (o spenti), compreso il muro di riferimento.

Per calibrare la nostra immagine attiveremo solo il livello del muro (il graffito sarà spento, ma solo per comodità) e selezioneremo il menù Filtro->Fuoco prospettico…

La calibrazione consiste nel definire un’area che segua la prospettiva dell’immagine tramite lo Strumento Crea Piano (C). Se il piano che stiamo definendo è “ragionevolmente” corretto,  Photoshop ci mostra una fitta griglia di colore blu, altrimenti viene mostrato un quadrilatero rosso, ad indicare che il rapporto tra gli angoli non è corretto. In ogni caso è possibile affinare l’allineamento tramite lo Strumento Modifica Piano (V). Delimitiamo in questo modo l’area del muro entro cui inserire il nostro graffito.

griglia

Diamo l’OK per uscire dal filtro.

Da questo momento in poi dovremo, per così dire, lavorare alla cieca, ma non è un problema.
Per prima cosa disattiviamo il livello del muro ed attiviamo quello del graffito che poi copiamo in memoria (Ctrl-A -> Ctrl-C).
Creiamo un nuovo livello vuoto e disattiviamo nuovamente quello del graffito. A questo punto non ci sarà nessuna immagine sullo schermo.
Ritorniamo sul filtro Fuoco prospettico… dove ritroviamo la griglia definita in precedenza su fondo bianco.
Incolliamo il graffito che abbiamo in memoria (Ctrl-V).

ctrlv

Trasciniamo il nostro graffito verso l’area che definisce la prospettiva. Il graffito automaticamente si orienterà e deformerà sul piano prospettico.

trascina

Probabilmente, come in questo caso, il graffito risulterà troppo grande per l’area in cui vogliamo inserirlo, dovremo quindi fare un’opera di ridimensionamento tramite lo Strumento Trasformazione (T). Una volta ridimensionato il nostro graffito all’interno dell’area, si può vedere come, spostandolo, l’immagine si adatti automaticamente ai diversi punti prospettici. Una volta soddisfatti della posizione e della dimensione, diamo l’OK e usciamo dal filtro.

graffitopr

Nel livello vuoto da cui siamo partiti avremo ora il nostro graffito in prospettiva. Tenete presente che questa immagine non è più correggibile con il filtro Fuoco Prospettico. Se non ci dovesse soddisfare, dobbiamo eliminarla e ripetere la procedura con un nuovo livello vuoto.
Attiviamo il livello del muro.

graffitoor

L’immagine così ottenuta risulta evidentemente artificiosa. In genere su internet si consiglia di cambiare la modalità di fusione del livello graffito da Normale a Sovrapponi per ovviare. Personalmente trovo comunque il risultato poco soddisfacente. Il mio consiglio è invece quello di duplicare il livello graffito altre due volte e impostare le modalità di fusione nel seguente modo (dal livello più basso a quello più alto): Luce Soffusa – Luce Soffusa – Saturazione.

finale

Anche questa soluzione però non è perfetta. Un metodo dall’effetto più realistico esiste, ma comporterebbe un post apposito, data la complessità, mentre qui ho voluto solo sottolineare l’aspetto prospettiva. 

Ci sarebbe ancora molto da dire anche riguardo al fuoco prospettico in generale, ma ne uscirebbe un post troppo lungo. Per il momento accontentiamoci della sua applicazione ai graffiti. 🙂

Come fotografare correttamente i dipinti

Chi si è cimentato nel tentativo di fotografare un dipinto sa che è un’impresa tutt’altro che banale. Soprattutto nel caso di dipinti vecchi o antichi, la vernice o il vetro impediscono una fotografia frontale a causa dei riflessi naturali o, peggio ancora, quelli causati dal flash che spesso rendono l’immagine inutilizzabile. D’altra parte spostarsi leggermente di lato non risolve praticamente mai il problema. Bisogna spostarsi “molto” di lato, ma così facendo si introduce una grande distorsione prospettica (che comunque è sempre preferibile ad un riflesso) senza contare il fatto che così facendo entra nell’inquadratura anche una parte dell’ambiente circostante, spesso non gradita.

Esiste però un modo per risolvere tutti questi problemi in maniera ottimale.

La prima cosa da fare è portare il dipinto in un ambiente molto luminoso e con luce naturale diffusa. L’ideale sarebbe all’esterno all’ombra.

Bisogna poi misurare accuratamente il dipinto. Se si vuole mostrare anche la cornice dobbiamo prendere larghezza e altezza della cornice, altrimenti solo larghezza e altezza del dipinto dentro la cornice.

Armati preferibilmente di cavalletto posizioniamoci rispetto al quadro in modo tale da evitare i riflessi e disattiviamo il flash. Un filtro polarizzatore (magari recuperato dalla vecchia reflex e tenuto a mano libera davanti alla digitale) può essere di aiuto, ma senza aspettarsi miracoli, soprattutto in presenza di un vetro protettivo.
Con lo zoom inquadriamo il dipinto al massimo così da escludere dall’inquadratura la maggior parte possibile dell’ambiente. Nell’esempio qui sotto ho preso un mio vecchio lavoro un po’ rovinato e l’ho appoggiato su una traversa di uno scurone di finestra.

Fotografia originale

Fotografia originale

Le dimensioni di questa tavoletta sono 19,8cm x 30cm. A queste grandezze è sufficiente una macchina fotografica da 4 megapixels, ma per quadri più grandi bisogna utilizzare macchine più performanti. Ricordiamoci che il numero di megapixels non è necessariamente legato alla qualità della foto. La differenza la fa l’obbiettivo, quindi il telefonino sarebbe da scartare, ma in mancanza di meglio si può sempre fare una prova.
La macchina da me utilizzata in questo caso è una vecchia Powershot G1 da 3.3 megapixels.

Una volta scattata la foto dobbiamo passare a Photoshop.

Se andiamo a vedere le dimensioni dell’immagine noteremo che le stesse, alla voce Dimensioni documento, vengono indicate in cm.

Dimensioni in cm

Dimensioni in cm

Si nota subito che qui siamo al limite, infatti l’altezza è inferiore all’originale. Questo vuol dire che alla fine avremo un leggero degrado dell’immagine, ma non sarà così rilevante.

Il passo successivo è ritagliare l’immagine in modo da escludere tutto ciò che non si deve vedere.

Per fare questo ci aiuteremo con le guide posizionandole a definire ogni spigolo:

Allineamento guide

Allineamento guide – Le guide si incrociano in corrispondenza degli spigoli

Utilizzando lo zoom facciamo coincidere con la maggior precisione possibile l’incrocio di ogni coppia di guide con il relativo spigolo del dipinto:

spigoli

Allineamento guide negli spigoli

Sinceriamoci di avere attivato l’Effetto calamita sulle guide e poi con lo strumento Taglierina definiamo l’area attorno al dipinto, attiviamo il flag Prospettiva e spostiamo i quattro angoli della Taglierina in corrispondenza dei quattro spigoli.

Correzione prospettica del taglierino

Correzione prospettica del taglierino

Una volta effettuato il ritaglio avremo il nostro dipinto perfettamente inquadrato. Lo strumento Taglierina però si limita a rendere ortogonali i vertici senza preoccuparsi delle reali proporzioni, quindi dovremo procedere manualmente ad eventuali correzioni. Col menu Immagine->Dimensione immagine… –>Dimensioni documento introdurremo le reali dimensioni in cm del dipinto in larghezza ed in altezza. In questo modo saremo sicuri che le proporzioni finali saranno perfette. Ricordiamoci però di togliere la spunta all’opzione Mantieni proporzioni prima di procedere.

Ridimensionamento immagine

Ridimensionamento immagine

Questa operazione naturalmente introduce una qualche forma di degrado dell’immagine originale (stiramento o compressione). Se proprio si vuole ridurre al minimo questo effetto si può ricorrere alla proporzionalità invece che alla misura assoluta. In Dimensioni documento si può intervenire su uno solo dei parametri (altezza o larghezza) in modo tale che abbia lo stesso rapporto con l’altro come nel dipinto originale pur senza averne la stessa misura (il classico a:b=a’:b’ oppure a:a’=b:b’).

Per chi volesse approfondire l’utilizzo dello strumento Taglierina per le correzioni prospettiche, rimando al mio post Raddrizzare la prospettiva.

Rimane a questo punto solo da intervenire sui colori. Purtroppo in questo caso dobbiamo accettare più di un compromesso perché le macchine digitali sono ben lontane dalla resa fedele dei colori. In più noi vediamo i colori attraverso un monitor che funziona esattamente al contrario di come un vero dipinto si mostra a noi (luce diretta contro luce riflessa). Dobbiamo quindi fidarci del nostro monitor, dei nostri occhi e del metodo utilizzato. Come metodo suggerisco quello esposto in Come ravvivare i colori nelle nostre fotografie, mentre per eventuali ritocchi tesi ad eliminare piccole macchie, abrasioni o graffi rimando al mio altro post Come eliminare graffi e polvere dalle fotografie.

Alla fine il risultato è questo:

Fotografia finale

Fotografia finale

… con relativo dettaglio:

dettaglio

Dettaglio del dipinto dopo le correzioni

Infografica e scienza

Video pubblicato da Oggi Scienza alla cui lista va aggiunto:  http://www.solarsystemscope.com/
uno spettacolare modello interattivo del sistema solare

Raddrizzare la prospettiva

Passato il 21 marzo si spera che stia arrivando la primavera, anche se onestamente c’è da dire che non ci sono più le mezze stagioni.
Ci si prepara quindi a qualche incursione turistica, magari in qualche città d’arte. Il problema principale però che ci assilla in queste gite è che, di fronte alla maestosità di certi edifici, ci rendiamo conto di quanto al contrario noi siamo piccoli. Questo non si riflette solo sul nostro umore, ma anche sulle nostre fotografie dove l’architettura ha la spiacevole tendenza a non stare troppo dritta, dato che noi la guardiamo sempre da troppo in basso. E’ l’effetto prospettico.

Un tempo la mancata perpendicolarità dei campanili o delle torri era considerata un difetto insopportabile, tanto da indurre a comprare anche costosissime ottiche adattative pur di tenere in piedi gli edifici.
Stranamente oggi, che con l’avvento della fotografia digitale si può intervenire facilmente su ogni difetto col semplice ausilio di un pc, questo problema è ormai accettato da tutti e solo i professionisti se ne fanno un cruccio.

E’ un peccato perché, al di la’ della accettazione della cosa, in realtà si perde molto dell’effetto maestoso di molti edifici.
Eppure raddrizzare le cosiddette linee cadenti è veramente un intervento alla portata di chiunque.
Photoshop mette a disposizione uno strumento piuttosto sofisticato (il filtro Correzione lente…) che, partendo dall’ottica usata, ricostruisce perfettamente la scena. Però io voglio concentrarmi su un altro strumento, sicuramente poco conosciuto e sfruttato, che in pochi passaggi raddrizza con altrettanta efficacia la prospettiva, almeno nei casi più semplici.

Lo strumento di cui parlo è la taglierina, quello strumento che permette di ritagliare una parte dell’immagine. Tra parentesi c’è da dire che nella versione CS5 di Photoshop è stato migliorato, con la possibilità di visualizzare anche una griglia di riferimento all’interno dell’area selezionata.

In realtà ce ne sarebbe anche uno ulteriore di strumenti, che è la
Modifica->Trasformazione->Prospettiva, ma è sostanzialmente identico nel modo di procedere e quindi non lo approfondirò.

Forse non tutti si sono accorti che, tra le opzioni che appaiono dopo la selezione dell’area da ritagliare, ce n’è una che si chiama Prospettiva. Attivata quella, possiamo fare qualcosa in più che delimitare un semplice rettangolo di ritaglio.

Aggiornamento: nelle ultime versioni di Photoshop l’opzione Prospettiva è stata separata dallo Strumento taglierina ed è ora uno strumento autonomo che si chiama Strumento ritaglio prospettiva; la funzionalità rimane la stessa descritta di seguito.

Ma procediamo con ordine, questa è l’immagine di riferimento che vogliamo correggere:

scan2010

Onestamente qui la maestosità si intuisce, ma non viene resa proprio al massimo. Vedremo alla fine se l’intervento sarà efficace.

La prima cosa da fare è trasformare in livello la nostra immagine di background, cosa che ci permette poi di utilizzare tutte le opzioni necessarie.

Dovremo anche prendere un paio di punti di riferimento per poter valutare più avanti le dimensioni in maniera corretta. Utilizzeremo per questo una figura di riferimento nell’immagine e la delimiteremo con due linee guida orizzontali.
In questo caso ho preso come riferimento la figura inginocchiata.

scan2011

A questo punto con lo strumento taglierina selezioniamo tutta l’immagine e mettiamo la spunta sull’opzione Prospettiva. Da questo momento in poi possiamo muovere gli angoli del ritaglio in maniera indipendente.
In genere dovremo intervenire solo sugli angoli superiori spostandoli verso l’interno in modo che il bordo del ritaglio sia il più possibile parallelo alle linee che vogliamo raddrizzare.

scan2012

Nella versione CS5 la presenza della griglia ci permette una perfetta valutazione della inclinazione in ogni punto dell’immagine, nelle altre versioni dovremo accontentarci del bordo. La parte che rimane fuori dall’area così delimitata verrà persa nell’immagine finale. Mettetevi il cuore in pace.

Il risultato del ritaglio sarà il seguente:

scan2013

Le linee sono ora perfettamente e correttamente verticali, ma l’immagine risulta schiacciata, come evidenziato dalla nostra figura di riferimento.
Se non avessimo avuto le due linee guida, sarebbe ora problematico rimediare in maniera precisa. Invece così è piuttosto semplice.

Utilizziamo la voce di menu Modifica->Trasforma->Scala e, operando solo sul punto centrale del lato superiore, e in misura minore, anche su quello inferiore, riportiamo la figura all’interno delle linee guida ridandogli anche la dimensione originale.

scan2014

In certe situazioni è possibile che la trasformazione richiesta sia tale da far uscire il bordo dal limite superiore del monitor, quindi consiglio, prima di iniziare, di utilizzare uno zoom all’indietro per poter avere più spazio di manovra. Intanto che ci siete cercate anche di valutare grosso modo di quanti pixel state allungando l’immagine.

Una volta completata la trasformazione ci accorgiamo con disappunto che abbiamo perso un’altra fetta della foto nella parte alta, e questa non è una bella cosa. Fortunatamente questa parte in realtà è solo nascosta dai limiti dell’immagine originale. Quello che Photoshop chiama quadro. E’ un po’ come se cercassimo di far stare la nostra foto stiracchiata stampandola nello stesso foglio di carta di prima.
O rimpiccioliamo l’immagine o aumentiamo la carta (cioè il quadro) per farcela stare. Neanche a dirlo useremo questa seconda opzione con la voce di menu
Immagine->Dimensione quadro…

In pratica si tratta di scalare in verticale anche il quadro, come abbiamo fatto con l’immagine. Per fare questo possiamo andare a spanna, l’importante è che otteniamo un quadro più grande dell’immagine che deve contenere. Poi ritaglieremo con la nostra taglierina (senza l’opzione Prospettiva, questa volta) solo la parte che ci interessa.

Ridimensioniamo quindi il nostro quadro, ancorandone la trasformazione al  riferimento quadrato centrale in basso, in modo che si ridimensioni solo la parte superiore, di un numero di pixel approssimativamente uguale a quanti ne abbiamo utilizzati in precedenza per scalare l’immagine (quei pixel che dovreste aver valutato prima – abbondiamo pure, dobbiamo farla entrare tutta).

Inquadrata tutta l’immagine nel nostro ipotetico foglio di carta, provvediamo infine a ritagliarla per bene con la solita taglierina.

scan2010c

Secondo me così è meglio. Decisamente  meglio.

Come eliminare graffi e polvere dalle fotografie

Avendo appena acquistato uno scanner per negativi e diapositive, il primo problema in cui mi sono imbattuto è lo stato di degrado che il passare del tempo ha comportato. Mentre le diapositive si sono conservate in modo ottimale, le strisce di negativi invece hanno presentato segni evidenti di usura, causata per lo più proprio dalla carta velina che invece le doveva proteggere. Questa infatti, col tempo, si è appiccicata all’emulsione e, al momento di sfilare la pellicola, si sono danneggiate le immagini in maniera più o meno grave, sotto forma di numerose picchiettature bianche o graffi. Mi sono accorto quindi che la tanto temuta polvere era alla fine il male minore.

Naturalmente non tutte le fotografie passate allo scanner valevano la fatica, ma per qualcuna era un dispiacere. Avere la possibilità di ridare loro vita e non poterci riuscire appieno era dura da accettare.
Fortunatamente la tecnologia digitale mette a disposizione diversi strumenti per la correzione delle immagini, ma di fronte ad una fotografia simile c’è da mettersi le mani nei capelli.

Click per ingrandire

Lo zoom di una parte rende meglio l’idea.

Click per ingrandire

Vi assicuro che l’originale appare molto più danneggiato di quanto non appaia in queste immagini ridotte per il blog.

Tutti i programmi di grafica offrono filtri o procedure più o meno elaborate per fronteggiare queste situazioni, però, a fronte di una certa velocità di recupero, si paga spesso il prezzo di una qualità finale complessiva della foto piuttosto ridotta. Questo perché, per quanto intelligente sia un procedimento di recupero, non ce la fa a distinguere le macchie dai dettagli più minuti che invece vanno preservati.
Diciamolo, la soluzione migliore sarebbe quella di rimettere dentro ad ogni puntino bianco una minuscola porzione di immagine che possa verosimilmente sostituire quella minuscola porzione di immagine originale che è stata strappata via.
Naturalmente è una strada impercorribile. O no?

La prima idea che viene in mente è il ricorso allo strumento Timbro clone, che, come tutti sanno, prende un pezzetto di immagine da una parte e la mette sopra un’altra, per coprirla. Il difetto principale di questo strumento è che bisogna sempre fare attenzione al punto di prelievo, da dove prende il pezzetto da copiare. Finché stiamo lavorando su uno sfondo omogeneo non ci sono grossi problemi, ma quando ci avviciniamo ad aree molto diverse bisogna costantemente spostare il punto di prelievo.
Un altro difetto è che, per lavorare velocemente, dobbiamo per forza utilizzare un diametro del timbro più grande della macchia che vogliamo ricoprire e questo fa sì che venga coperta anche quella parte, oltre la macchia, che invece andava bene così. Questo, soprattutto quando si lavora sui bordi delle figure, è un problema.

In realtà quest’ultimo non è un difetto dello strumento, ma di chi lo usa, il quale spesso non sa che anche lo strumento Timbro offre modalità diverse di utilizzo, al pari del Pennello.
Solo se lo usiamo in modalità Normale viene fatta una copia, ma se per esempio lo usiamo in modalità Scurisci, la copia sarà fatta in proporzione a quanto chiara sarà l’area di destinazione. Questo significa che dove l’area è completamente bianca viene effettuata una copia normale, e dove invece l’area è più scura la copia sarà in proporzione meno visibile (nel caso di un’area nera non ci sarà copia per nulla).

Questa è una bella cosa, possiamo tranquillamente girovagare per l’immagine a coprire velocemente tutte le macchioline senza preoccuparci troppo della precisione perché di fatto verrà coperta solo l’area bianca. Per le macchioline nere vale il concetto inverso e quindi bisogna utilizzare la modalità Schiarisci.

Rimane comunque il problema del punto di origine del timbro. Dovremmo prelevarlo il più possibile vicino ad ogni macchiolina, cosa laboriosissima. L’ideale teorico sarebbe il centro di ogni macchiolina, ma lì c’è proprio l’area che vogliamo invece ricoprire.
Però questa non è una idea peregrina perché il timbro clone permette di prelevare un campione anche da un livello diverso da quello su cui lavoriamo. Quindi possiamo utilizzare il punto di origine su un livello e lo stesso identico punto come destinazione, ma su un altro livello.
Se, paradossalmente, avessimo a disposizione una immagine simile a quella che vogliamo recuperare, posta su un diverso livello, potremmo utilizzarla come origine e poi effettuare velocemente la correzione su quella danneggiata. In modalità Scurisci riempiremmo velocemente tutte le macchioline bianche con l’immagine simile, con un risultato praticamente ottimale.

Il problema a questo punto è avere a disposizione questa fantomatica immagine simile.

Come ho già detto esistono diverse procedure che eliminano i graffi a spese della qualità dell’immagine. Photoshop offre il filtro Polvere e grana i cui effetti li possiamo vedere qui di seguito.

Click per ingrandire

Le macchie sono praticamente sparite (se ne intravede ancora qualcuna, ma è solo una questione di regolazione dei parametri del filtro), ma l’immagine è piuttosto stravolta.

Però questa è proprio l’immagine simile che auspicavamo!

Il procedimento quindi è piuttosto semplice:

  1. Duplichiamo l’immagine da correggere su un nuovo livello
  2. Applichiamo Filtro->Disturbo->Polvere e grana… sul livello copiato
  3. Regoliamo i parametri del filtro il minimo necessario per veder sparire i puntini bianchi
  4. Impostiamo il Timbro clone nella modalità Scurisci
  5. Impostiamo il punto di origine clone nel livello filtrato
  6. Impostiamo lo stesso identico punto (aiutatevi magari con le guide o le coordinate, è importante che sia lo stesso punto) come punto di destinazione nel livello da correggere
  7. Clicchiamo su ogni punto da correggere (per le vaste aree, come lo sfondo in questo esempio, possiamo anche trascinare il mouse per velocizzare, ma per i dettagli è bene fare un punto alla volta) senza preoccuparci di dove sia l’origine del clone (se ne sta tranquilla sempre sotto la punta del nostro mouse)

Nota: per lavorare in scioltezza fate in modo che il livello da correggere stia sopra a quello filtrato.

Ecco il risultato finale, dopo pochi minuti di lavoro.

Click per ingrandire

Ed ecco l’immagine completa, dopo che l’avevamo data per persa.

Click per ingrandire

Se ora applichiamo anche la procedura per ravvivare i colori (senza esagerare), come descritto nel mio post Come ravvivare i colori nelle nostre fotografie, ecco il risultato finale.

Risultato finale

 

 

Nota: Alcune vecchie fotografie o cartoline presentano un reticolo inciso per la cui rimozione è necessario l’utilizzo di un plugin. La procedura è descritta in quest’altro mio post: Come rimuovere un pattern da una fotografia

 

Come ravvivare i colori nelle nostre fotografie

Come ravvivare i colori nelle nostre fotografie, e, aggiungerei, in poche semplici mosse. Con Photoshop. Inutile nascondercelo, spesso le foto che scattiamo per catturare particolari colori (fiori o quant’altro) si rivelano piuttosto deludenti e piatte. I colori vibranti che il nostro occhio percepisce quasi mai vengono percepiti in modo analogo dalla nostra fotocamera. Allora ci ingegnamo coi contrasti, le curve ed i livelli di Photoshop per cercare di recuperarli in maniera empirica e poco produttiva. Non sempre con risultati all’altezza. Photoshop però, nei suoi innumerevoli meandri, nasconde soluzioni semplici ed efficaci che basta trovare. Vediamo come, con poco impegno, si possano ottenere colori veramente brillanti. Per dimostrare le potenzialità di questo metodo partirò da una foto che già potrebbe essere soddisfacente così come è. 073 Non sindachiamo qui sul valore artistico della foto, però la nuvola incombente sulla casa ha un certo fascino drammatico che potrebbe accontentarci già così. Ma noi non siamo mica qui per accontentarci. La prima cosa da fare è cambiare la modalità da RGB a Colore Lab (menu: Immagine->Metodo->Colore Lab). Colore Lab non significa, come si potrebbe pensare, qualcosa tipo laboratorio del colore, ma solo che il sistema di rappresentazione non è basato sui canali Rosso, Verde e Blu (RGB) come è di solito. E’ basato invece sui canali Luminosità, a e b, Lab per l’appunto, dove a e b indicano genericamente e rispettivamente le informazioni riguardanti le componenti Verde+Magenta e Blu+Giallo. Lascio ai più volonterosi immaginare cosa contenga il canale Luminosità. La seconda mossa è ricorrere alla regolazione delle Curve. Come i più sapranno è possibile intervenire con le regolazioni direttamente sull’immagine, però, siccome è facile esagerare con gli effetti, è meglio inserire un livello di regolazione sopra l’immagine di background, in modo da poterlo inserire o disinserire a piacere, per tenere sempre sott’occhio l’originale. Evitando così correzioni troppo artificiose. Per fare questo andiamo sul menu: Livello->Nuovo livello di regolazione->Curve… Da qualche parte apparirà qualcosa del genere: curvedef Se la griglia che avete voi è più larga di quella qui mostrata, è sufficiente cliccare sul grafico tenendo contemporaneamente premuto il tasto Alt. A noi interessa una certa precisione. Dove di default appare la voce Luminosità (vicino al pulsante Auto – da non toccare, per carità), noi sceglieremo invece prima a e successivamente b. Chi non sa utilizzare questo controllo faccia caso che agli estremi della retta che attraversa il grafico ci sono due piccoli quadratini. Cliccandoci sopra (e tenendo premuto il tasto sinistro del mouse) possiamo trascinarli dove vogliamo, all’interno del grafico. La retta (che poi è in realtà una curva) si adeguerà di conseguenza. Quello che vogliamo fare ora è spostare di due unità della griglia entrambi gli estremi della retta sia per la curva a che per la b. Come si vede nella immagine successiva.curvea Potete ottenere lo stesso risultato anche digitando direttamente i numeri che qui appaiono nelle caselle Output. Meglio ancora, per ciò che vogliamo fare, trascinando direttamente i due triangolini che appaiono in basso nel grafico; quello bianco di due unità a sinistra e quello nero di due unità a destra. Questo, ripeto, va fatto per entrambi i canali a e b. La simmetria tra lo spostamento a sinistra in alto e quello a destra in basso è essenziale, pena l’alterazione dei colori. Il risultato apparirà immediatamente ai nostri occhi. Inserendo e disinserendo il livello di correzione potremo farci un’idea precisa della correzione cromatica:

073.jpg

Immagine originale

 

Immagine finale

Immagine finale

In genere è bene fermarsi a questo punto per non rendere troppo artificiosa la nostra fotografia, però in questo caso (e ogni volta che il contrasto è ritenuto insufficiente) possiamo tentare un aumento della drammaticità correggendo anche la curva di Luminosità. L’immagine seguente è il risultato dello spostamento di tre unità solo sul triangolino nero nella curva di Luminosità. Si è perso il dettaglio della parete della casa a favore di una più semplice silouette che però risulta molto più efficace in questo contesto. 073Lab Una fotografia che si limitava a documentare un curioso fenomeno atmosferico, con pochissima fatica è stata trasformata in una fotografia di grande impatto emotivo.

Come ottenere una perfetta foto in bianco e nero con Photoshop

Credo che tutti siano più o meno al corrente di come si ottenga una versione in bianco e nero di una immagine a colori con Photoshop. Oltre al classico cambio di modalità (Immagine->Metodo->Scala di grigio) e alla desaturazione (Immagine->Regolazioni->Togli saturazione) c’è anche una voce apposita di menu per la miglior conversione (Immagine->Regolazioni->Bianco e nero…) che offre diverse interessanti opzioni per un risultato ottimale.

Molti di noi si sono ritrovati più volte a recriminare su una foto a colori che non ha dato il risultato artistico sperato, nonostante diversi tentativi di aggiustarla.

Quanti non hanno anche cercato di convertirla in bianco e nero come ultimo disperato tentativo?
Oppure, semplicemente, appassionati di foto in bianco e nero, hanno convertito buone fotografie a colori cercando le atmosfere di vecchi capolavori.
Alla fine, nonostante tutte le opzioni di Photoshop, però il risultato non è mai all’altezza delle aspettative.

Per quanti cercano l’atmosfera del bianco e nero c’è un’altra strada percorribile ed è quella dei canali, che, siore e siori, vado testè ad enunciare.
(In realtà ce ne sono molte altre, ma questa è certamente la più semplice)

Prendiamo la nostra foto campione:

foto originale

Originale a colori

Questa è un’immagine che a colori risulta piuttosto confusa, ma il cui soggetto sembra fatto apposta per una versione in bianco e nero.

Una veloce conversione tramite la modalità scala di grigio non cambia molto la situazione:

Scala di grigio

Scala di grigio

C’è più contrasto, la fontana appare più in primo piano, ma è tutto piuttosto confuso e siamo lontani dalla fascinosità che cerchiamo. Anzi c’è un che di tenebroso…

Gli altri metodi già menzionati non si discostano molto da questo risultato.

E’ ora di ricorrere ai canali. Selezioniamo quindi la linguetta dei Canali (in basso a destra, vicina a quella dei Livelli).

Non è nelle mie intenzioni trattare dei canali in questa sede, limitiamoci a prendere atto che ci sono.

Come si vede i canali sono quattro: RGB, Rosso, Verde e Blu.
Quello che salta all’occhio vispo di noi che cerchiamo una conversione in bianco e nero è che l’icona del canale RGB è a colori, mentre le altre sono (ops!) in bianco e nero!

E’ solo una convenzione rappresentativa, perché, volendo, è possibile configurare Photoshop per fare in modo che le icone appaiano nel colore che indica il nome del canale (tutto rosso, tutto verde e tutto blu). Questa però è un’altra storia. A noi il bianco e nero capita proprio a fagiolo. Infatti se selezioniamo uno solo di questi canali vediamo la nostra foto immediatamente convertita in un bianco e nero decisamente più interessante. Forse troppo.
Sono tre versioni molto diverse l’una dall’altra e ognuna ha un qualche cosa che vorremmo salvare. In ogni modo, in questa fase non dobbiamo fare una scelta definitiva, ma limitarci a quella che più si avvicina al nostro obbiettivo.

Io, per esempio, ho scelto la versione del canale Rosso:

rosso

Canale del rosso

Purtroppo questa non è ancora un’immagine, ma, come detto, solo la rappresentazione visuale della quantità di rosso presente nell’originale a colori.

Ottenere un’immagine vera però è piuttosto facile cliccando col pulsante destro sul canale prescelto (in questo caso il rosso) e, dal menu che appare, segliendo la voce Duplica canale…
Nella finestra che si apre ci interessa solo la voce Destinazione|Documento dove dobbiamo optare per Nuovo (non importa il nome).

A questo punto non abbiamo più bisogno dell’immagine originale. Nel nuovo documento appena creato, abbiamo la nostra immagine in bianco e nero che ha bisogno solo ancora di un piccolo intervento per poterla correttamente utilizzare.
Cambiamo il modello in scala di grigio tramite il menu (Immagine->Metodo->Scala di grigio).

Ci siamo quasi.
Abbiamo la versione dei canali che più ci piace, ma non è ancora la foto giusta. Per ottenerla passiamo alla linguetta dei Livelli (non servono più i canali) e duplichiamo lo sfondo e poi, nel livello duplicato, cambiamo la modalità di fusione a Luce soffusa.

finale

Immagine finale

Confrontando questa immagine con la prima versione possiamo notare, pur nei limiti che la riduzione per il blog comporta, che è nettamente migliore. 

Naturalmente nulla impedisce, se si cerca una espressività artistica più spinta, di provare altre modalità di fusione, ma se si cerca la miglior conversione Luce soffusa è la scelta ideale.

Lo stesso giochetto potete provarlo anche con gli altri canali (verde o blu) e vedere alla fine quel che più vi soddisfa.

Per qualunque chiarimento sono qua.